domingo, 5 de noviembre de 2017

Los artistas venezolanos del arte cinético.


 







Carlos Cruz Diez

Resultado de imagen para cruz diezNació en Caracas, el 17 de agosto de 1932.
Es considerado el máximo representante del arte cinético venezolano. Desde pequeño sintió inclinación por el color y las artes plásticas. De niño escuchó hablar de literatura, de arte, de música y de teatro; mi padre era poeta y mi madre le acompañaba en sus lecturas. Pero el dibujo y una gran caja de creyones se convirtió en su actividad favorita a través de los años. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas, culmina los estudios en 1945 como profesor para artes manuales y aplicadas. A partir de ese momento trabajó en diseño gráfico para varias publicaciones de Caracas y como director artístico de una publicidad. Entre 1955 y 1956 viaja a París y Barcelona para ponerse al día en la investigación sobre el color. Tras su regreso a Caracas, monta un Estudio de Artes Visuales dedicado a las artes gráficas y el diseño industrial, y prosigue sus investigaciones sobre la fenomenología del color. Durante algún tiempo Cruz Diez se desempeñó como profesor de Artes Plásticas, en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Central de Venezuela, y dirigió la Cátedra de Investigaciones Cinéticas de la Escuela Superior Nacional de Bellas Artes.
Junto con Jesús Soto, Alejandro Otero y Juvenal Ravelo, conforma el movimiento cinético de Venezuela, que se desarrolló sobremanera a lo largo del siglo XX, hasta convertirse en uno de los más destacados de Hispanoamérica. En 1959 crea su primera Fisicromía (efectos visuales y en los que con frecuencia aplica coloridas mezclas sobre un plano único originando un color virtual o subjetivo).y luego de exponer exitosamente en el Museo de Bellas Artes un conjunto de obras que se de tendencia cinética, marcha a París, ciudad donde reside desde entonces.

La proposición artística de Carlos Cruz-Diez se fundamenta en sus ocho investigaciones que ponen de manifiesto los diferentes comportamiento del color: Color aditivo, Fisicromía, Inducción cromática, Cromointerferencia mecánica, Transcromía, Cromosaturación, Cromoscopio y el color en el espacio. Cada una de estas etapas con obras significativas y dónde se puede observar el trabajo del artista. La trayectoria artística de Cruz Diez le ha merecido, entre otros, los siguientes reconocimientos: Premio Nacional de Artes Plásticas (1971), Premio de la I Bienal Americana de Arte (Córdoba, Argentina), Premio de la IX Bienal Internacional de Pintura (Sao Paulo, Brasil). En Venezuela, las obras de Cruz Diez decoran diversos rincones de la geografía nacional. Desde las salas de máquinas de la Centra Hidroeléctrica del Guri (Ambientación Cromática, 1977-1986) hasta la Cromoestructura Radial de Barquisimeto (Homenaje al Sol, 1983), o la Inducción Cromática de la Torre Stratos en Valencia (1990), sus formas geométricas y sus mezclas de colores crean ambientes característicos. En 1992, Carlos Cruz Diez, diseñó la Plaza de la Realidad Virtual, para el Pabellón de Venezuela en representación de la plástica nacional en Expo Sevilla 92, España.

En la actualidad, Cruz Diez continúa desarrollando nuevas formas artísticas. Muchas de sus obras se pueden apreciar en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz Diez.
 

Jesús Soto:

1923 Jesús Rafael Soto nace en Ciudad Bolívar, estado Bolívar, el 5 de Junio, hijo de Luis Rafael García Parra y Emma Soto. Pasa su infancia y primera juventud en Ciudad Bolívar y sus alrededores. Hacia la edad de 12 años, comienza el aprendizaje de la guitarra. Sus primeras experiencias plásticas las tiene en el trabajo de cartelista que ejerce desde muy joven para los tres cines de la ciudad. A los doce o trece años dice haber leído la divina comedia de Dante Alighieri.

1942 A los 19 años obtiene una beca del gobierno regional para emprender sus estudios en la Escuela de Bellas Artes y Artes Aplicadas de Caracas, donde cursa la carrera de arte puro y docencia entre 1942 y 1947. Son sus maestros Rafael Ramón González, Juan Vicente Fabbiani, Marcos Castillo y Antonio Edmundo Monsanto, entre otros. Al llegar a la escuela, descubre una naturaleza muerta del artista francés Georges Braque que le impacta de manera perdurable e inclina sus intereses hacia el arte moderno. Sus obras tempranas (bodegones, retratos y paisajes principalmente) indican múltiples influencias entre las que sobresalen las de marcos Castillo, Henri Matisse, Paul Cézanne y Pablo Picasso. La influencia de estos dos últimos artistas se hace crucial a finales de los años cuarenta, cuando ejecuta paisajes claramente influenciados por el cubismo Cezaniano.

1947 Al concluir sus estudios, es nombrado director de la Escuela de Bellas Artes de Maracaibo, cargo que ejerce hasta 1950, cuando una beca del gobierno le permite viajar a París para proseguir sus investigaciones. Es precisamente en Maracaibo donde escucha hablar por primera vez del Cuadrado blanco sobre fondo blanco (1918) del ruso Kasimir Malevitch, a su entender la forma más pura de atrapar la luz en la pintura.

1949 Antes de viajar a París, presenta su primera expsoción individual en el Taller Libre de Arte en Caracas

1950 El 16 de septiembre, Soto se embarca en l'Olimpia y emprende su viaje a parís. Al llegar a Francia se pone en contacto con los artistas venezolanos fundadores de la revista "Los Disidentes", especialmente con Alejandro Otero, Narciso Debourg y Guevara Moreno. Frecuenta también a su coterránea, Aimée Battistini, quien lo inicia en el mundo de la abstracción. Comienza un período de intenso estudio del arte abstracto, a su manera de ver, la más grande revolución plástica después del renacimiento italiano. Ya iniciada su obra abstracta, participa en el "Salon des réalités nouvelles" (Salón de las nuevas realidades) y entra en contacto con el galerista Denise René, cuyo apoyo sería crucial en los inicios de su carrera internacional. Comienza su obra madura con la serie titulada "Composiciones dinámicas". En ellas intenta dinamizar las estructuras ortogonales de Piet Mondrian

1951 En la primavera, Soto viaja a Holanda para encontrarse con la obra de Piet Mondrian

1952 Inicia sus repeticiones y progresiones
Jesus Soto Muro Óptico
Muro Óptico 1951
Jesus Soto Progresion 1952
Progresión 1952

1952/1953 Realiza el pequeño conjunto de obras seriales. En ellas intenta conseguir un equivalente plástico de las prácticas musicales descubiertas en la música dodecafónica. Se trata para él de trascender las nociones convencionales de la composición y del gusto

1954 Superponiendo tramas regulares de puntos y cuadros por medio de un plexiglás transparente, logra introducir el tiempo real, ya no sugerido en la obra, sino producido por el desplazamiento mismo del observador ante ella : Metamorfosis 1954 es la primera obra en la que logra producir núcleos luminosos

Metamorfosis 1954
Jesus Soto Estructura Cinetica 1957
Estructura Cinética 1957

1955 Participa en la exposición "Le mouvement" (el movimiento), organizada por la galerista francesa Denise René, muestra que marca el nacimiento histórico del "Cinetismo". Inicia la serie titula estructuras cinéticas (1956-1957)

1957 Abandona el uso del plexiglás y reemplaza las líneas pintadas por varillas de metal soldadas entre sí. A partir de allí, consigue una de las características esenciales de su trabajo, la vibración de n elun elemento metálico sobre una trama de fondo. Inicia sus primeras "vibraciones". Expone e museo de Bellas Artes de Caracas. Inicia su "Período Barroco".

1958 Inicia sus "Escrituras". Realiza su primer "Cuadrado Vibrante". Participa en la Exposición Universal de Bruselas, instalando su "Muro de Bruselas" (en realidad su primera escritura y su Torre de Bruselas, en los jardines del IVIC (Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas). Inicia su trabajo a escala Urbana.

1960 Obtiene en Venezuela el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Jesus Soto Penetrable41962 Concluye su período Barroco. Vuelve a un control estricto de los elementos plásticos. Durante los años sesenta se desarrolla otro proceso crucial para su obra, proceso que culminará en 1967, con una de sus invenciones conceptual y formalmente más coherentes y puras, el "Penetrable"

Penetrable en el Museo Jesús Soto

1966 Presenta su "Muro Panorámico Vibrante" en la Bienal de Venecia, etapa importante en el proceso que lo llevará a la creación de los Penetrables.

1967 Denise René organiza una doble exposición personal de Soto en sus espacios de la rivera derecha y la rivera izquierda del Sena, en París. Es en el contexto de la exposición presentada en la galería de la rivera izquierda que aparece su primer Penetrable. Invitado por Carlos Raúl Villanueva, Soto representa a Venezuela en la Exposición Internacional de Montreal, con su escultura cinética "Volumen Suspendido"

1969 Este año marca el momento de su consagración internacional con la gran exposición retrospectiva del Museo de Arte Moderno de París. Este mismo año se decreta la creación del Museo de Arte Moderno Jesús Soto en Ciudad Bolívar

1973 Es inaugurado el Museo de Arte Moderno Jesús Soto en Ciudad Bolívar, una de sus más importantes contribuciones a la cultura venezolana. En él deposita no solo un conjunto representativo de su obra personal, también un conjunto excepcional de obras producidas por sus contemporáneos europeos y latinoamericanos.
Jesús Soto Aluminio en Madera

Aluminio en Madera
Colección Privada
Jesús Soto Aluminio en Madera1974 El Solomon R. Guggenheim de Nueva York organiza una importante exposición retrospectiva de Soto.

1975 Realiza una de sus primeras grandes intervenciones en la arquitectura, con el Hall de Entrada para las Industrias Renault, en Boulogne Billancourt, Francia

1977 Realiza su gran "Volumen Virtual Suspendido", del Royal Bank of Canada.

1983 Realiza dos importantes obras integradas a la arquitectura: El Volumen Suspendido del Cubo Negro en Caracas, y el Volumen Suspendido del centro Georges Pompidou en París, Francia. Inicia la serie de las Ambivalencias, su útlima invención plástica, en las que vuelve a interesarse por los problemas cromáticos de los años cincuenta, especialmente por la capacidad del color para desvirtuar nuestra percepción del espacio. Paralelamente al desarrollo de esta serie, aparece en la década del ochenta, la necesidad de repensar muchas de las soluciones plásticas anteriores. Retoma sus leños de los años sesenta, por ejemplo, enriqueciéndolos con experiencias más recientes. Busca soluciones diferentes para sus escrituras y vibraciones, imponiéndoles una fuerte carga cromática.

Jesus Soto Ambivalencia 1993
Ambivalencia 1993

1995 Recibe el premio Nacional de Escultura en París, Francia

2005 Jesús Soto muere en su casa de París, el 14 de enero


Esfera de Jesús Soto en la autopista Francisco Fajardo
Esfera de Jesús Soto en la autopista Francisco Fajardo
a la altura del Parque del Este


Alejandro Otero:

Nació en el Manteco (Edo. Bolívar) el 7 de marzo de 1921
Muere en Caracas el 13 de agosto de 1990

Notable pintor, dibujante, escultor y escritor. Hijo de José María Otero Fernández y María Luisa Rodríguez. Su infancia transcurrió en la Upata y luego se trasladó a Caracas donde realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas. Siendo aún estudiante, fue nombrado profesor del curso de Experimentación Plástica para niños (1942) y dos años después profesor de la Cátedra de Vitrales en esta institución, de la cual egresó en diciembre de 1944. En 1945 se trasladó a París, donde vivió intermitentemente hasta 1964. Allí amplió sus conocimientos en Escuela de Altos Estudios de La Sorbona; Y bajo la influencia de Pablo Picasso, inició su trayectoria hacia la abstracción. También estudió en Estados Unidos.

Estudios superiores en el exterior

En 1946 inició la serie de trabajos conocidos como Cafeteras donde representó el proceso de abstracción de un objeto hasta sólo dejar visible su estructura básicas. Las Cafeteras rompen y desplazan la tradición pictórica de sus antecesores, toda la formación de Otero como pintor pasó a ser inmediatamente un pasado remoto. En 1948 exhibió este trabajo en París, y al año siguiente regresó a Caracas, donde su producción francesa fue expuesta en el Museo de Bellas Artes, el Taller Libre de Arte y en el Instituto Pedagógico de Caracas.

Regresó a París y junto a otros artistas editaron, la revista Los Disidentes, alrededor de la cual se articuló un grupo del mismo nombre. Lideró este grupo, cuya actuación fue piedra angular del arte abstracto venezolano. Dado que rechazaban las formas tradicionales utilizadas por las escuelas de arte nacional y promovieron nuevas corrientes abstractas, acercándose así al abstraccionismo geométrico. Años después regresó a Venezuela y participó en la experiencia colectiva de la "Síntesis de las Artes Mayores" organizada por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva en los espacios de la Ciudad Universitaria de Caracas. Para la cual realizó cuatro murales y un vitral para la Facultad de Ingeniería, una Policromía para la Facultad de Farmacia y otra para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo. Antes de su participación en el proyecto de Villanueva, Otero había realizado cinco paneles en mosaico y aluminio para el Anfiteatro José Ángel Lamas de Caracas, en dos de cuyos mosaicos ya se aprecian los principios de los Coloritmos; así como Mástil Reflejante y el Panel en mosaico y aluminio.
Tras pasar un tiempo en París y participar en la VII Bienal de Sao Paulo, Otero fue nombrado vicepresidente del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes, INCIBA, cargo que ocupó hasta 1966. Comenzó a trabajar los Papeles Coloreados, serie que constituyó una verdadera síntesis de sus búsquedas: el rigor geométrico y la expresión informal expresados a través de recortes de periódico teñidos en diversos colores y pegados a manera de líneas y planos puros. Representó a Venezuela en la XXXIII edición de la Bienal de Venecia junto a Jesús Soto y Víctor Valera. En 1968 inició una nueva etapa al concebir obras tridimensionales para el proyecto de la Zona Feérica de El Conde, un espectáculo para el cuatricentenario de Caracas. Para esto desarrolló ocho esculturas monumentales que así como a su vez la Torre Solar de la Avenida Universidad y el Vertical Vibrante de la ciudad de Maracay.
A partir de 1967 había comenzado a realizar una serie de Estructuras Espaciales, formadas por una serie de trabajos de gran tamaño realizados al aire libre ubicados en zonas emblemáticas de diversas ciudades del país, como Maracay, Caracas y Ciudad Bolívar, así como en otras capitales internacionales: Bogotá, Washington, México o Milán. Estas estructuras, realizadas preferentemente en aluminio, integran magistralmente el movimiento y los efectos luminosos producidos por el reflejo del material. En 1971, la gobernación del Estado Bolívar creó el Salón Anual de Pintura Alejandro Otero y ese mismo año obtuvo una beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, con la cual se incorporó al Centro de Estudios Visuales Avanzados del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT). Allí continuó sus investigaciones sobre esculturas cívicas monumentales.

En 1975 Otero, junto con Miguel Otero Silva y Manuel Espinoza, dió a conocer el proyecto de creación de la actual Galería de Arte Nacional, inaugurada al año siguiente. Continuaba así con su labor en pos de la exhibición y divulgación del arte venezolano.

Obras exitosas

En 1976, con motivo del bicentenario de la independencia de Estados Unidos, el gobierno venezolano ofreció a este país la escultura Delta Solar. La instalaron en el jardín oeste del Museo del Aire y del Espacio, en Washington. En 1977, Otero participó en un proyecto concebido por la Corporación Olivetti para rendir homenaje a Leonardo da Vinci en el que presentó su Estructura Solar, un paralelepípedo con 54 aspas y más de 10 metros de altura. La obra fue instalada en el patio de honor del Castello Sforzesco en Milán, y en 1980 fue colocada permanentemente en el Palacio Olivetti en Ivrea, Italia.

Abra Solar
En 1979 ilustró el libro de Orlando Araujo, Alejandro Otero, el niño que llegó hasta el sol y en 1982 participó en la XL Bienal de Venecia. Allí se presentó con diferentes obras y dos estructuras, Abra Solar y Aguja Solar, las cuales fueron instaladas a la entrada de la Bienal y en Lido. De esta experiencia el cineasta Ángel Hurtado realizó los videos Alejandro Otero en Venecia y Abra Solar y las cuatro estaciones. Al año siguiente, las estructuras que participaron en la Bienal de Venecia fueron instaladas en la Plaza Venezuela de Caracas y en Ciudad Guayana. En 1985 el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas realizó la mayor retrospectiva de su obra incluyendo obras de todas las etapas de su producción plástica. En 1986 se instaló la Torre Solar en el Complejo Hidroeléctrico Raúl Leoni del Estado Bolívar y al año siguiente se incorporó al Centro de Investigaciones de IBM de Venezuela allí experimentó con el diseño de obras con computadora y los resultados fueron publicados dos años más tarde en el libro Alejandro Otero: Saludo al siglo XXI. En 1987 se le rindió homenaje con ocasión de la Primera Bienal de Arte de Guayana en el Museo de Arte Moderno Jesús Soto, institución a la que donó obras para su colección.
Como homenaje póstumo, el Ejecutivo Nacional decidió que el Museo de Arte La Rinconada lleve el nombre de este gran artista. Museo de Artes Visuales Alejandro Otero, El MAO, como se le conoce popularmente, posee una colección de arte contemporáneo venezolano, así como parte de la producción artística del maestro Alejandro Otero, precursor de la modernidad en Venezuela.

6 comentarios:

Julio Salgado, artista plastico del cinetismo.

       Un nuevo emergente en el arte  plástico se dio a conocer en Venezuela. Julio Salgado, que logra involucrase con mucha ...