Carlos Cruz Diez
Nació en Caracas
, el 17 de agosto de 1932.
Es considerado el máximo representante del arte
cinético venezolano. Desde pequeño sintió inclinación por el color y las
artes plásticas. De niño escuchó hablar de literatura, de arte, de
música y de teatro; mi padre era poeta y mi madre le acompañaba en sus
lecturas. Pero el dibujo y una gran caja de creyones se convirtió en su
actividad favorita a través de los años. Estudió en la Escuela de Artes
Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas, culmina los estudios en 1945
como profesor para artes manuales y aplicadas. A partir de ese momento
trabajó en diseño gráfico para varias publicaciones de Caracas y como
director artístico de una publicidad. Entre 1955 y 1956 viaja a París y
Barcelona para ponerse al día en la investigación sobre el color. Tras
su regreso a Caracas, monta un Estudio de Artes Visuales dedicado a las
artes gráficas y el diseño industrial, y prosigue sus investigaciones
sobre la fenomenología del color. Durante algún tiempo Cruz Diez se
desempeñó como profesor de Artes Plásticas, en la Escuela de
Comunicación Social de la Universidad Central de Venezuela, y dirigió la
Cátedra de Investigaciones Cinéticas de la Escuela Superior Nacional de
Bellas Artes.
Junto con Jesús Soto, Alejandro Otero
y Juvenal Ravelo, conforma el movimiento cinético de Venezuela, que se
desarrolló sobremanera a lo largo del siglo XX, hasta convertirse en uno
de los más destacados de Hispanoamérica. En 1959 crea su primera
Fisicromía (efectos visuales y en los que con frecuencia aplica
coloridas mezclas sobre un plano único originando un color virtual o
subjetivo).y luego de exponer exitosamente en el Museo de Bellas Artes
un conjunto de obras que se de tendencia cinética, marcha a París,
ciudad donde reside desde entonces.
La proposición artística de Carlos Cruz-Diez se
fundamenta en sus ocho investigaciones que ponen de manifiesto los
diferentes comportamiento del color: Color aditivo, Fisicromía,
Inducción cromática, Cromointerferencia mecánica, Transcromía,
Cromosaturación, Cromoscopio y el color en el espacio. Cada una de estas
etapas con obras significativas y dónde se puede observar el trabajo
del artista. La trayectoria artística de Cruz Diez le ha merecido, entre
otros, los siguientes reconocimientos: Premio Nacional de Artes
Plásticas (1971), Premio de la I Bienal Americana de Arte (Córdoba,
Argentina), Premio de la IX Bienal Internacional de Pintura (Sao Paulo,
Brasil). En Venezuela, las obras de Cruz Diez decoran diversos rincones
de la geografía nacional. Desde las salas de máquinas de la
Centra Hidroeléctrica del Guri (Ambientación Cromática, 1977-1986) hasta la Cromoestructura Radial de Barquisimeto (Homenaje al Sol, 1983), o la Inducción Cromática de la Torre Stratos en Valencia
(1990), sus formas geométricas y sus mezclas de colores crean ambientes
característicos. En 1992, Carlos Cruz Diez, diseñó la Plaza de la
Realidad Virtual, para el Pabellón de Venezuela en representación de la
plástica nacional en Expo Sevilla 92, España.
Jesús Soto:
1923 Jesús Rafael Soto nace en
Ciudad Bolívar, estado Bolívar, el 5 de Junio, hijo de Luis Rafael
García Parra y Emma Soto. Pasa su infancia y primera juventud en Ciudad
Bolívar y sus alrededores. Hacia la edad de 12 años, comienza el
aprendizaje de la guitarra. Sus primeras experiencias plásticas las
tiene en el trabajo de cartelista que ejerce desde muy joven para los
tres cines de la ciudad. A los doce o trece años dice haber leído la
divina comedia de Dante Alighieri.
1942 A los 19 años obtiene una
beca del gobierno regional para emprender sus estudios en la Escuela de
Bellas Artes y Artes Aplicadas de Caracas, donde cursa la carrera de
arte puro y docencia entre 1942 y 1947. Son sus maestros Rafael Ramón
González, Juan Vicente Fabbiani, Marcos Castillo y Antonio Edmundo
Monsanto, entre otros. Al llegar a la escuela, descubre una naturaleza
muerta del artista francés Georges Braque que le impacta de manera
perdurable e inclina sus intereses hacia el arte moderno. Sus obras
tempranas (bodegones, retratos y paisajes principalmente) indican
múltiples influencias entre las que sobresalen las de marcos Castillo,
Henri Matisse, Paul Cézanne y Pablo Picasso. La influencia de estos dos
últimos artistas se hace crucial a finales de los años cuarenta, cuando
ejecuta paisajes claramente influenciados por el cubismo Cezaniano.
1947 Al concluir sus estudios,
es nombrado director de la Escuela de Bellas Artes de Maracaibo, cargo
que ejerce hasta 1950, cuando una beca del gobierno le permite viajar a
París para proseguir sus investigaciones. Es precisamente en Maracaibo
donde escucha hablar por primera vez del Cuadrado blanco sobre fondo
blanco (1918) del ruso Kasimir Malevitch, a su entender la forma más
pura de atrapar la luz en la pintura.
1949 Antes de viajar a París, presenta su primera expsoción individual en el Taller Libre de Arte en Caracas
1950 El 16 de septiembre, Soto
se embarca en l'Olimpia y emprende su viaje a parís. Al llegar a
Francia se pone en contacto con los artistas venezolanos fundadores de
la revista "Los Disidentes", especialmente con Alejandro Otero, Narciso
Debourg y Guevara Moreno. Frecuenta también a su coterránea, Aimée
Battistini, quien lo inicia en el mundo de la abstracción. Comienza un
período de intenso estudio del arte abstracto, a su manera de ver, la
más grande revolución plástica después del renacimiento italiano. Ya
iniciada su obra abstracta, participa en el "Salon des réalités
nouvelles" (Salón de las nuevas realidades) y entra en contacto con el
galerista Denise René, cuyo apoyo sería crucial en los inicios de su
carrera internacional. Comienza su obra madura con la serie titulada
"Composiciones dinámicas". En ellas intenta dinamizar las estructuras
ortogonales de Piet Mondrian
1951 En la primavera, Soto viaja a Holanda para encontrarse con la obra de Piet Mondrian
1952 Inicia sus repeticiones y progresiones
Muro Óptico 1951
Progresión 1952
1952/1953 Realiza el pequeño
conjunto de obras seriales. En ellas intenta conseguir un equivalente
plástico de las prácticas musicales descubiertas en la música
dodecafónica. Se trata para él de trascender las nociones convencionales
de la composición y del gusto
1954 Superponiendo tramas
regulares de puntos y cuadros por medio de un plexiglás transparente,
logra introducir el tiempo real, ya no sugerido en la obra, sino
producido por el desplazamiento mismo del observador ante ella :
Metamorfosis 1954 es la primera obra en la que logra producir núcleos
luminosos
Metamorfosis 1954
Estructura Cinética 1957
1955 Participa en la
exposición "Le mouvement" (el movimiento), organizada por la galerista
francesa Denise René, muestra que marca el nacimiento histórico del
"Cinetismo". Inicia la serie titula estructuras cinéticas (1956-1957)
1957 Abandona el uso del
plexiglás y reemplaza las líneas pintadas por varillas de metal soldadas
entre sí. A partir de allí, consigue una de las características
esenciales de su trabajo, la vibración de n elun elemento metálico sobre una
trama de fondo. Inicia sus primeras "vibraciones". Expone e museo
de Bellas Artes de Caracas. Inicia su "Período Barroco".
1958 Inicia sus "Escrituras".
Realiza su primer "Cuadrado Vibrante". Participa en la Exposición
Universal de Bruselas, instalando su "Muro de Bruselas" (en realidad su
primera escritura y su Torre de Bruselas, en los jardines del IVIC
(Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas). Inicia su trabajo
a escala Urbana.
1960 Obtiene en Venezuela el Premio Nacional de Artes Plásticas.
1962 Concluye su período
Barroco. Vuelve a un control estricto de los elementos plásticos.
Durante los años sesenta se desarrolla otro proceso crucial para su
obra, proceso que culminará en 1967, con una de sus invenciones
conceptual y formalmente más coherentes y puras, el
"Penetrable"
Penetrable en el Museo Jesús Soto
1966 Presenta su "Muro
Panorámico Vibrante" en la Bienal de Venecia, etapa importante en el
proceso que lo llevará a la creación de los Penetrables.
1967 Denise René organiza una
doble exposición personal de Soto en sus espacios de la rivera derecha y
la rivera izquierda del Sena, en París. Es en el contexto de la
exposición presentada en la galería de la rivera izquierda que aparece
su primer Penetrable. Invitado por Carlos Raúl Villanueva, Soto
representa a Venezuela en la Exposición Internacional de Montreal, con
su escultura cinética "Volumen Suspendido"
1969 Este año marca el momento
de su consagración internacional con la gran exposición retrospectiva
del Museo de Arte Moderno de París. Este mismo año se decreta la
creación del
Museo de Arte Moderno Jesús Soto en Ciudad Bolívar
1973 Es inaugurado el
Museo de Arte Moderno Jesús Soto
en Ciudad Bolívar, una de sus más importantes contribuciones a la
cultura venezolana. En él deposita no solo un conjunto representativo de
su obra personal, también un conjunto excepcional de obras producidas
por sus contemporáneos europeos y latinoamericanos.
Aluminio en Madera
Colección Privada
1974 El Solomon R. Guggenheim de Nueva York organiza una importante exposición retrospectiva de Soto.
1975 Realiza una de sus
primeras grandes intervenciones en la arquitectura, con el Hall de
Entrada para las Industrias Renault, en Boulogne Billancourt, Francia
1977 Realiza su gran "Volumen Virtual Suspendido", del Royal Bank of Canada.
1983 Realiza dos importantes
obras integradas a la arquitectura: El Volumen Suspendido del Cubo Negro
en Caracas, y el Volumen Suspendido del centro Georges Pompidou en
París, Francia. Inicia la serie de las Ambivalencias, su útlima
invención plástica, en las que vuelve a interesarse por los problemas
cromáticos de los años cincuenta, especialmente por la capacidad del
color para desvirtuar nuestra percepción del espacio. Paralelamente al
desarrollo de esta serie, aparece en la década del ochenta, la necesidad
de repensar muchas de las soluciones plásticas anteriores. Retoma sus
leños de los años sesenta, por ejemplo, enriqueciéndolos con
experiencias más recientes. Busca soluciones diferentes para sus
escrituras y vibraciones, imponiéndoles una fuerte carga cromática.
Ambivalencia 1993
1995 Recibe el premio Nacional de Escultura en París, Francia
2005 Jesús Soto muere en su casa de París, el 14 de enero
Esfera de Jesús Soto en la autopista Francisco Fajardo
a la altura del Parque del Este
Alejandro Otero:
Nació en el Manteco (Edo. Bolívar) el 7 de marzo de 1921
Muere en Caracas el 13 de agosto de 1990
Notable pintor, dibujante, escultor y escritor. Hijo
de José María Otero Fernández y María Luisa Rodríguez. Su infancia
transcurrió en la Upata y luego se trasladó a Caracas donde realizó
estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas. Siendo aún
estudiante, fue nombrado profesor del curso de Experimentación Plástica
para niños (1942) y dos años después profesor de la Cátedra de Vitrales
en esta institución, de la cual egresó en diciembre de 1944. En 1945 se
trasladó a París, donde vivió intermitentemente hasta 1964. Allí amplió
sus conocimientos en Escuela de Altos Estudios de La Sorbona; Y bajo la
influencia de Pablo Picasso, inició su trayectoria hacia la
abstracción. También estudió en Estados Unidos.
Estudios superiores en el exterior
En 1946 inició la serie de trabajos conocidos como
Cafeteras donde representó el proceso de abstracción de un objeto hasta
sólo dejar visible su estructura básicas. Las Cafeteras rompen y
desplazan la tradición pictórica de sus antecesores, toda la formación
de Otero como pintor pasó a ser inmediatamente un pasado remoto. En 1948
exhibió este trabajo en París, y al año siguiente regresó a Caracas,
donde su producción francesa fue expuesta en el Museo de Bellas Artes,
el Taller Libre de Arte y en el Instituto Pedagógico de Caracas.
Regresó a París y junto a otros artistas editaron, la
revista Los Disidentes, alrededor de la cual se articuló un grupo del
mismo nombre. Lideró este grupo, cuya actuación fue piedra angular del
arte abstracto venezolano. Dado que rechazaban las formas tradicionales
utilizadas por las escuelas de arte nacional y promovieron nuevas
corrientes abstractas, acercándose así al abstraccionismo geométrico.
Años después regresó a Venezuela y participó en la experiencia colectiva
de la "Síntesis de las Artes Mayores" organizada por el arquitecto
Carlos Raúl Villanueva en los espacios de la Ciudad Universitaria de
Caracas. Para la cual realizó cuatro murales y un vitral para la
Facultad de Ingeniería, una Policromía para la Facultad de Farmacia y
otra para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo. Antes de su
participación en el proyecto de Villanueva, Otero había realizado cinco
paneles en mosaico y aluminio para el Anfiteatro José Ángel Lamas de
Caracas, en dos de cuyos mosaicos ya se aprecian los principios de los
Coloritmos; así como Mástil Reflejante y el Panel en mosaico y aluminio.
Tras pasar un tiempo en París y participar en la VII
Bienal de Sao Paulo, Otero fue nombrado vicepresidente del Instituto
Nacional de Cultura y Bellas Artes, INCIBA, cargo que ocupó hasta 1966.
Comenzó a trabajar los Papeles Coloreados, serie que constituyó una
verdadera síntesis de sus búsquedas: el rigor geométrico y la expresión
informal expresados a través de recortes de periódico teñidos en
diversos colores y pegados a manera de líneas y planos puros. Representó
a Venezuela en la XXXIII edición de la Bienal de Venecia junto a Jesús Soto
y Víctor Valera. En 1968 inició una nueva etapa al concebir obras
tridimensionales para el proyecto de la Zona Feérica de El Conde, un
espectáculo para el cuatricentenario de Caracas. Para esto desarrolló
ocho esculturas monumentales que así como a su vez la Torre Solar de la
Avenida Universidad y el Vertical Vibrante de la ciudad de Maracay.
A partir de 1967 había comenzado a realizar una serie
de Estructuras Espaciales, formadas por una serie de trabajos de gran
tamaño realizados al aire libre ubicados en zonas emblemáticas de
diversas ciudades del país, como Maracay, Caracas y Ciudad Bolívar,
así como en otras capitales internacionales: Bogotá, Washington, México
o Milán. Estas estructuras, realizadas preferentemente en aluminio,
integran magistralmente el movimiento y los efectos luminosos producidos
por el reflejo del material. En 1971, la gobernación del Estado Bolívar
creó el Salón Anual de Pintura Alejandro Otero y ese mismo año obtuvo
una beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, con la cual se
incorporó al Centro de Estudios Visuales Avanzados del Instituto
Tecnológico de Massachusetts (MIT). Allí continuó sus investigaciones
sobre esculturas cívicas monumentales.
En 1975 Otero, junto con Miguel Otero Silva y Manuel
Espinoza, dió a conocer el proyecto de creación de la actual Galería de
Arte Nacional, inaugurada al año siguiente. Continuaba así con su labor
en pos de la exhibición y divulgación del arte venezolano.
Obras exitosas
En 1976, con motivo del bicentenario de la
independencia de Estados Unidos, el gobierno venezolano ofreció a este
país la escultura Delta Solar. La instalaron en el jardín oeste del
Museo del Aire y del Espacio, en Washington. En 1977, Otero participó en
un proyecto concebido por la Corporación Olivetti para rendir homenaje a
Leonardo da Vinci en el que presentó su Estructura Solar, un
paralelepípedo con 54 aspas y más de 10 metros de altura. La obra fue
instalada en el patio de honor del Castello Sforzesco en Milán, y en
1980 fue colocada permanentemente en el Palacio Olivetti en Ivrea,
Italia.
Abra Solar
En 1979 ilustró el libro de Orlando Araujo, Alejandro
Otero, el niño que llegó hasta el sol y en 1982 participó en la XL
Bienal de Venecia. Allí se presentó con diferentes obras y dos
estructuras, Abra Solar y Aguja Solar, las cuales fueron instaladas a la
entrada de la Bienal y en Lido. De esta experiencia el cineasta Ángel
Hurtado realizó los videos Alejandro Otero en Venecia y Abra Solar y las
cuatro estaciones. Al año siguiente, las estructuras que participaron
en la Bienal de Venecia fueron instaladas en la Plaza Venezuela de
Caracas y en Ciudad Guayana. En 1985 el Museo de Arte Contemporáneo de
Caracas realizó la mayor retrospectiva de su obra incluyendo obras de
todas las etapas de su producción plástica.
En 1986 se instaló la Torre Solar en el
Complejo Hidroeléctrico Raúl Leoni
del Estado Bolívar y al año siguiente se incorporó al Centro de
Investigaciones de IBM de Venezuela allí experimentó con el diseño de
obras con computadora y los resultados fueron publicados dos años más
tarde en el libro Alejandro Otero: Saludo al siglo XXI. En 1987 se le
rindió homenaje con ocasión de la Primera Bienal de Arte de Guayana en
el
Museo de Arte Moderno Jesús Soto, institución a la que donó obras para su colección.
Como homenaje póstumo, el Ejecutivo Nacional decidió que el Museo de Arte La Rinconada lleve el nombre de este gran artista.
Museo de Artes Visuales Alejandro Otero,
El MAO, como se le conoce popularmente, posee una colección de arte
contemporáneo venezolano, así como parte de la producción artística del
maestro Alejandro Otero, precursor de la modernidad en Venezuela.
